Quienes eran los Reyes Magos?

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Uno de los aspectos más recurrentes y más fijados en el inconsciente colectivo relacionado con la iconografía bíblica es la presencia de los tres personajes que adoraron a Jesús en ocasión de su llegada al mundo, y le ofrecieron oro incienso y mirra. En los pesebres, aparece siempre la imagen aparentemente coincidente en el tiempo del nacimiento de Jesús y de su adoración por los Reyes Magos como si fuesen hechos simultáneos en el tiempo, cuando en realidad el nacimiento aparece exclusivamente en el evangelio de Lucas y la adoración en el de Mateo.

Lucas se refiere a la adoración del Niño por pastores mientras que Mateo (3,1) refiere a la adoración de tres personajes (?) venidos de Oriente con la expresión "magoi apò anatoloon". La traducción de el termino griego Magoi por "Magos" ha cuajado en el pensamiento colectivo, aún siendo equívoca. Así en las cortes orientales los  consejeros sacerdotales de alto nivel eran relacionados con el arte de la magia y la astrología (que en ese momento era equivalente a la astronomía). Eso sucedía en las cortes de Babilonia y Persia, a su vez familiarizadas con la mitología específica del pueblo hebreo por el exilio babilónico

Los astrónomos del momento ya conocían fenómenos celestes como el cometa Halley,(Flavio Josefo documentó su llegada en el -12ac)  por lo que es sorprendente que tres personajes muy probablemente del mismo punto geográfico atravesasen miles de kilómetros para perseguir una figura astronómica completamente insólita que por su movimiento  diario  en el perihelio celeste parecía mostrar una dirección, aproximada en la zona de Jerusalén

Hace unos años se descubrió un manuscrito de la dinastía Han por el que astrónomos   percibieron lo que pudo ser la explosión de una supernova  de finales de marzo a prinicpios de abril de -5 ac lo que nos indicaría una posible explicacion a este viaje de los "magos" para contemplar el destino de este evento celeste, y lo que a su vez implicaría, que esa presencia de los magos no fue un recurso  simbólico del evangelista sino algo rigurosamente real

Mateo no nos muestra ninguna señal ni que cuantos "magos" eran  ni de su número. La suposición de que eran tres y cuales eran sus nombres tiene un origen iconográfico claro. El moaico de la Iglesia de San Apolinario el nuevo de Rávena en Italia (siglo VI)

 

 

 

 

 

Estos "reyes" son posiblemente los que mejor reflejan la realidad de lo que pudo haber ocurrido en la Adoración. Visten ropajes persas o babilónicos, alejados de las vestimentas exageradas de la iconografía habitual de los belenes. Su condición de supuestos reyes sería meramente simbólica y referente a que los poderes de la tierra se postrarían ante el recien nacido. (Salmo 72: "Postrénse ante ël los Reyes y sírvanle todos los pueblos"

 

En este mosaico aparecen los nombres de los "magos", Baltasar, Melchor y Gaspar, los tres de raza blanca caucásicos. Una de sus primeras descripciones documentales procede del monje Veda el Venerable (673-735) que los describe como Melchor (ofrece oro, símbolo de la realeza), Gaspar (ofrece 

incienso) descrito como de tez rosada y Baltasar, (ofrece Mirra, símbolo de su muerte), definido en latin como "fuscus", de tez oscura.

 

En el Liber Pontificalis de Ravena (845) aparecen estos nombres , que adquieren carta de naturaleza sin que haya constancia real historiográfica de su veracidad

 

A partir aproximadamente de 1450, con la explosión del renacimiento pictórico, el arte concede una importancia capital a dos motivos ; el nacimiento y la epifania, que permitían representar la piedad popular de una manera sencilla y directa . Pese al hecho de que en la literalidad evangélica el nacimiento y la epifanía no fueron hechos simultáneos sino separados por  días, como indica la tradición

 

A partir de este momento los Medicis se convierten en los grandes avaladores pictóricos de la tradición de los Reyes y bajo su mecenazgo  se encargan la mayoría de ellas. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Así, en la Adoración de los Magos, pintada por Sandro Boticelli en 1475 en la galería de los Ufizzi en Florencia, los tres reyes son la imagen de tres Medicis: Baltasar es Pedro el Gotoso , Melchor es Cosme y Gaspar es Juan.  Los tres ya habían fallecido pero Boticelli les homenajeó en esta pintura:

 

Cosme es el personaje que está frente a la Virgen, su hijo Pedro de Medici está a su lado y su hermano Juan es el tercero por la derecha . En la escena aparecen otros miembros de la familia Medici, como por ejemplo Lorenzo o Juliano de Medici que aparecen a la izquierda de la imagen, aunque Juliano podría ser el que aprece con vestimenta roja a la derecha de la imagen

 

La obsesión retratista de Boticelli le  llevó a pintarse a si mismo (jubón amarillo a la derecha)

 

Vasari, el historiador clásico del arte escribió de esta escena:

 

“La belleza de las cabezas en esta escena es indescriptible, sus actitudes diferentes, algunos de frente, algunos en perfil, algún en tres cuartos, algunos se agachados, y de varias otras maneras, mientras que las expresiones de los asistentes, jóvenes y viejos, varían grandemente, exhibiendo la maestría perfecta del artista en su profesión. Sandro luego demuestra claramente la distinción entre los trajes de cada uno de los reyes. Es un trabajo maravilloso en color, diseño y composición."

La familia quedó entusiasmada con este cuadro y realizó multitud de encargos a su autor hasta que marchó en 1481 a Roma

 

Este cuadro además nos muestra otra particularidad de la iconografía de los "magos" y es que ya se pierde completamente cualquier intención de mostrar una rigurosidad y verosimilitud de lo que debía haber sido este episodio  en relación a la iconografía previa, en la que como en el mosaico de Ravena se mostraba un trío de personajes presumiblemente de origen persa, mientras que ahora, sus representaciones coinciden con la fisonomía de personajes reales de la época y sobre todo son blancos:

 

Esto se muestra por ejemplo en 

 

Adoración de los Magos (Tomasso Masaccio 1426) con una técnica muy similar a la de Giotto  (Pisa)

Altar de los Tres Reyes (Roger van der Weiden 1455), muy renacentista, actualmente en Munich

El cortejo de los Magos ((Gozzoli 1461) en un palacio de los Medici de Florencia

Adoración de los Magos (Hugo Van der Goes 1480), actualmente en Berlín

 

Todos ellos tienen unas características pictóricas similares, sobre todo temáticas y de distribución de las figuras, con escasos matices entre ellas.

 

Hasta que llegamos a la gran innovación iconográfica del tema de los Magos:

 

Con el cambio de siglo se produce una innovación especialmente singular en este tema, y es convertir al "rey " Baltasar en negro

 

Adoración de los Magos (Durero) actualmente en Florencia

 

 

 

 

Los tres magos son, como marca la tradición pictórica hasta ese

momento: Melchor, que parece llevar la voz cantante ya que es

el mas viejo de los tres, Gaspar, con melena pelirroja

(la iconografía ya actual de este "mago"), y que es la representación del propio Durero y la gran innovación, un tercer mago, que sería Baltaaar, genuinamente e insólitamente negro

 

No está del todo clara la justificación de esta innovación, pero probablemente se deba a las necesidades ecuménicas de la iglesia del momento que forzaron el simbolismo de que las tres autoridades del poder terrenal , las tres razas que se conocían en el momento, Melchor representando a los europeos caucásicos -en posición preminente- , Gaspar, representando a los pueblos asiáticos y Baltasar a los negros, lo que simultáneamente mostraba el simbolismo de que los poderes terrenales se postraban ante el recien nacido y a la vez éstos representaban a los tres hijos de Noé, Sem, Cam y Jafet

 

Ya no hubo más movimento iconográfico en este tema, que quedó fijado ya para siempre a partir de la simbología de Durero -y de todos los autores que vinieron detrás-

 

Un aspecto final curioso de su tradición es la que muestran algunos evangelios apócrifos, que sostienen que los magos después de encontrar a Jesús, peregrinaron juntos por varios puntos del globo, llegando incluso a la India, donde el apóstol Tomás los consagró como obispos (otras versiones quizá menos fantasiosas situan este hecho en tierras medas o persas)

 

La tradición apunta a que los magos murieron juntos y fueron enterrados juntos (?) siendo encontrado su sarcófago por Santa Elena que los llevó a Constantinopla, aparentemente desapareciendo de la historia. Hacia el año 850 la Iglesia de San Eustorgio de Milán afirmó estar en posesión de las reliquias de los restos de los magos. En 1164 cuando el emperador Federico Barbarroja saqueó Milán llevó esos restos a Alemania , siendo construida en su honor la catedral de Colonia, aún existente y morada última de esos tres personajes que hace dos mil años, según la tradición se pusieron en marcha para buscar el lugar del nacimiento de Jesús

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BIBLIA Y ARTE

Jordi Ros

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Iniciamos una nueva sección sobre la estrecha relación de la Biblia con el Arte, plasmada por tantos artistas que han contemplado y transmitido su mirada de fe a la Historia de la Salvación.

LA ADORACIÓN DE LOS REYES (GIOTTO)

Uno de las primeras imágenes pictóricas y de los más interesantes sobre el nacimiento de Jesús es el creado por el pintor florentino Giotto di Bondone, al que se considera uno de los principales iniciadores del renacimiento en el arte, a finales del siglo XIII y principios del XIV.

Fue discípulo del pintor Cimabue, el artista más conocido de finales del siglo XIII. Una historia biográfica sobre Giotto apunta a que en 1278, con once años de edad fue sorprendido por Cimabue pintando una oveja tridimensional, con gran perfección, lo que le permitió ser admitido en el estudio del maestro,

En ese momento , el arte religioso, seguía aún unos esquemas muy rígidos bizantinos que se caracterizaban por un aspecto rígido y unidimensional, relativamente lógicos en caso de los mosaicos pero que en la pintura no permitían mostrar una suficiente naturalidad.

Las figuras de Giotto , popularizadas hacia 1300 en adelante llamaban la atención por esa sorprendente naturalidad y bidimensionalidad, obteniendo unos juegos de perspectivas hasta entonces insólitos en el arte.

En ese momento llaman la atención incluso del Papa y Giotto empieza a realizar toda clase de encargos , difundiendo por toda Italia su obra. Su obra culminante con toda seguridad y el encargo que le hizo más famoso es el de la Capilla de Scrovegni de Padua, considerada la obra más bella del Renacimiento italiano y de la que se dice que todo amante del arte debería visitar al menos una vez en la vida

Los frescos de la Capilla Scrovegni, antecesores en su concepto de los frescos de la Capilla Sixtina, unos doscientos años posteriores cuentan esencialmente la historia Sagrada en imágenes y son en su intención y concepción una lección de historia bíblica completa

Uno de estos frescos es el de la Adoración de los Reyes. Aquí Giotto supera con creces el arte pre renacentista en muchos aspectos.

El encargo provenía de Enrico Scrovegni, cuyo padre fue uno de los personajes más detestados de la época, al tratarse de un notorio usurero que hizo una gran fortuna con ello, El odio que generó fue tal que incluso Dante Alighieri en su inmortal Divina Comedia lo colocó en el infierno, ardiendo por toda la eternidad por su desenfrenada avaricia, Su hijo , impactado por esa imagen encargó a Giotto la decoración de la capilla familiar para así obtener penitencia por los pecados de su padre.

Giotto, meticuloso en extremo, se documentó con gran precisión sobre la escena que iba a pintar, para tratar de mostrarla con toda exactitud, analizando tanto el evangelio de Lucas -el que refiere el nacimiento de Jesús- como el de Mateo, que reporta la visita y adoración de los Reyes, la Epifanía, que según la tradición se produjo días después del nacimiento pero que la iconografía y la tradición pesebrística sitúa como hechos prácticamente simultáneos.

En ese momento la tridimensionalidad en las figuras aún no estaba plenamente conseguida por lo que se usa el recurso en este caso de encuadrar los principales personajes bajo la estructura de un dosel de madera, en una forma arquitectónica parecida a las estructuras que existían en ese momento.

Uno de los grandes misterios evangélicos de este episodio es por supuesto la personalidad de estos "Reyes".

De ellos podemos saber con toda seguridad sólo una cosa, que los tres reyes magos, no eran (necesariamente) tres; Mateo no lo especifica; y no eran reyes ni tampoco Magos.

La expresión que usa Mateo en griego sobre ellos es "Oi magoi apóo anatoloon", una expresión que se ha traducido siempre con una literalidad arriesgada como "Magos".

Mateo pudo referirse a esos personajes como un mero recurso simbólico para reforzar la idea que los poderes de la tierra se inclinaban ante el recién nacido, pero en ningún caso es absurdo suponer que Mateo, y por tanto Giotto, lo que plasmó fue la imagen de un hecho real, es decir la visita de personajes reales que siguieron un suceso astronómico especialmente singular

Giotto parece sugerir que este hecho singular pudo haber sido un cometa, posiblemente el cometa Halley.

Esta hipótesis sin embargo tiene algún punto débil, como es el hecho de que los astrónomos de la época ya conocían el paso del cometa Halley que nos visitó en el 66 ec (como detalla Flavio Josefo) y por tanto su visita anterior pudo haber sido 74 o 79 años atrás, por tanto hacia el -12 ac, posiblemente antes del nacimiento de Jesús. Eso sí, el verismo del "cometa" que aparece es absoluto ya que Giotto contó que vio al cometa Halley sobre su ciudad en 1301 por lo que el cometa que aparece en la obra, es específicamente un cometa tal y como Giotto lo recordó. Pero aún así, ¿astrónomos que conocían los cometas se pusieron en marcha y atravesaron grandes extensiones de tierra para averiguar que era aquella señal celestial?

Hace unos años, astrónomos chinos anunciaron la existencia de documentación procedente de la dinastía Han que anunció la presencia en el cielo de un acontecimiento singular, aproximadamente hacia el -5 ac aproximadamente que se prolongó durante semanas en el firmamento y cuya explicación podría haber sido la explosión de una supernova que pudo percibirse a simple vista durante semanas, causando la sensación de los astrónomos de la época como presumiblemente eran los "magos", que verían en el horizonte una figura muy similar a la de un cometa, entendiendo como tal a un cuerpo celeste "con cola" y una protuberancia delantera desplazándose de manera lenta pero constante en una dirección , con cada órbita terrestre, lo que desde , por ejemplo el Oriente (Persia) parecería estar señalando un punto físico en la tierra.

Otra explicación indicaría la formación de una triple conjunción planetaria que habría causado una gran impresión en astrónomos expertos que difícilmente la habrían confundido con un cometa. Esta conjunción habría dado una perspectiva desde la tierra similar a la de movimiento aparentemente en una dirección concreta que habría sido la seguida por los "Reyes" hasta llegar a Belén

Esta es una explicación hoy considerada más plausible para la estrella junto con la explosión de una Supernova.

Estas hipótesis podrían explicar que tres astrónomos familiarizados con las tradiciones judías por el exilio de Babilonia , relativamente reciente, quedasen impactados por esa figura celestial que apareció en el horizonte, más extraña aunque similar a un cometa, y les impulsó a seguirla. Eso también podría explicar que en un momento dado, esa supernova hubiese dejado de brillar tras mostrar aparentemente su objetivo en la zona de Jerusalén, lo que justificaría la búsqueda de estos personajes de la corte de Herodes para tratar de hallar allí una explicación a lo sucedido

La figura cósmica que aparece sobre el nacimiento sería coherente con esa explicación, y sería parecida a la de un cometa.

Giotto, tenía como una de sus grandes preocupaciones dotar a sus personajes de tridimensionalidad y de una naturalidad hasta entonces extraña. Y eso hace por ejemplo con San José , que vistiendo ropas relativamente humildes, aparece con los brazos cruzados sobre el pecho, con aire de lógica perplejidad ante estas curiosas visitas que recibe.

María por su parte lleva ropa con vestiduras reales, para reforzar su imagen como Reina de los Cielos, abriendo paso a una tendencia que se mantendrá durante todo el renacimiento de vestir a María con ropajes contemporáneos -medievales- y caros, a menudo como una señora de la alta sociedad local, lo que evidentemente en la Galilea de hace dos mil años era difícil de creer pero reforzaba la imagen y la importancia de María

La escena principal que muestra Giotto es la entrega por parte de Gaspar de un incensario que es sostenido a la izquierda de María por un ángel para simbolizar la idea de que las oraciones humanas ascenderán ante el Padre acariciadas por el humo del incienso

Gaspar, que por cierto es caucásico , como Melchor y Baltasar (hasta doscientos años después Baltasar no se convirtió en "rey negro"), se ha despojado de su corona, depositada a los pies del Niño y humildemente en el centro de la imagen se arrodilla para besar sus pies. Con ello, despojado de sus símbolos de autoridad y en máxima humildad representa al poder terrenal postrado y agradecido ante el regalo que Dios nos hace en la figura de su hijo.

Los otros dos "reyes" esperan su turno esperando los regalos que van a ofrecer, mirra, símbolo de la humanidad y futura pasión del Niño, ya que es la sustancia con la que se ungen los cuerpos para la sepultura, y el siguiente rey lleva oro como símbolo de la realeza

Como detalle final comentar que Giotto en cada una de sus figuras humanas intentó dar una cierta humanidad y tridimensionalidad en su aspecto.... Hasta que llega a los camellos.

En la Padua de 1300, probablemente nadie había visto nada parecido a un camello y probablemente Giotto, que se documentó meticulosamente sobre los detalles bíblicos de la escena, quedó un poco perplejo a la hora de plantearse, que aspecto podrían tener estos animales. Los dibuja como un cruce entre caballo y asno, con patas de caballo y orejas de asno... y con ojos azules siendo lo más curioso de la

escena. Los camelleros por cierto, todos ellos muy expresivos , sostienen por

las riendas a sus animales con otra muestra de realismo absolutamente

novedoso en la época, estando concentrados en su trabajo más que en la

escena de los Reyes o el Niño

La obra de Giotto tuvo una gigantesca influencia en artistas posteriores, que en

buena medida se basaron en muchos aspectos de la misma para sus cuadros,

difuminándose con la transición del gótico al románico, siendo de influencia

poderosa para artistas como por ejemplo Miguel Angel Buonarotti

Enlace a la Visita Virtual de la Capilla Scrovegni en Padua

https://www.youtube.com/watch?v=dw4kf8WsznI

 

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Miguel Angel Buonarotti

Quisiera empezar con una reflexión personal.

 

Hace unos años oí hablar del Sindrome de Stendhal, considerada  un trastorno psicosomático que alteraba de manera real la salud y la percepción de la realidad, y que podiá producirse por la contemplación de la belleza en determinadas obras de arte.

 

Personalmente siempre lo consideré poco menos que una tontería o una rareza.

 

Hasta que en el mismo año tuve el privilegio de acudir a dos lugares: La Orangerie, la Sala de Conciertos del Palacio Imperial de Viena, para escuchar un concierto de valses, y en segundo lugar en el Vaticano. Ambos lugares me causaron una profunda emoción, casi hasta las lágrimas, lo reconozco

 

Y ahí, ante la belleza hipnótica y a la vez indescriptible de una de las primeras obras que pueden contemplarse en él, la extraordinaria Pietà de Miguel Angel acabé creyendo sino en el Síndrome de Stendhal si que la belleza puede conmover y maravillar profundamente

 

La Pietà, la Piedad, de Miguel Angel Buonarotti es un grupo escultórico encargado en 1498, al entonces completamente desconocido y jovencísimo artista florentino de sólo 23 años. Fue contratada por el cardenal Saint Denis, embajador francés ante la Santa Sede, que no pudo verla en vida ya que falleció pocos días antes del plazo estipulado para su entrega,

 

La extraordinaria belleza de este grupo escultórico nos muestra en primer lugar una verdadera cumbre artística del arte del Renacimiento. Si doscientos años atrás Giotto perseguía incansable lograr la tridimensionalidad del arte, aquí Miguel Angel lo consigue de una manera completamente sublime, teniendo además el mérito extraordinario que este tema iconográfico, Jesús muerto en brazos de la Virgen nunca se había planteado.

 

Vasari, aún en vida de Miguel Angel dijo de ella

 

«Es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol»

 

Cuando fue mostrada por vez primera en público causó una profunda impresión en todos los que la contemplaban. Se cuenta que Miguel Angel, deseoso de comprobar el impacto de la misma en el público, se mezclaba con los visitantes de la capilla de Santa Petronila, su primer emplazamiento. En una ocasión escuchó furioso como varios de ellos cuchicheaban entre sí, que era completamente imposible que algo tan hermoso hubiese podido ser concebido y realizado por un escultor de sólo 23 años. Indignado y desencajado por la cólera apartó a todos los visitantes, sacó su martillo y cincel y grabó sobre el pecho de la Virgen:

 

Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]  

Miguel Angel Buonarotti, florentino, lo hizo 

Vasari dijo de esta obra y de Miguel Angel que podría entenderse sino como  sutilísima apariencia de crítica, si de una  evidente admiración,  que éste se había limitado a coger un trozo de mármol y a quitarle los pedazos sobrantes de las figuras que quería mostrar... Lo cierto es que Vasari reconoció que Miguel Angel había sido la culminación de un camino iniciado siglos atrás por Giotto y sus contemporáneos y que aquí llegaba a su mayor expresión que convertía a Miguel Angel en un gigante de su tiempo

De hecho como escultor las "Pietà" son un testimonio de la evolución de la fe de su autor.

En ella muestra de hecho un tema principal que va más allá incluso del aspecto religioso, como es el mostrar el  mayor drama que una madre puede tener en vida y es recoger en su pecho el cadáver de su hijo. 

Pero además muestra el ideal de belleza renacentista, al mostrar el rostro de la Virgen perpetuamente joven y hermosa, pero que  además  con toda su sensibilidad, nos ofrece la imagen de su tristeza absoluta y total desconsuelo en su mirada perdida por el momento de extremo dolor que está viviendo

Las formas de la Virgen son cuidadosamente anguladas, destacando todos los pliegues de su vestido y con su brazo izquierdo sosteniendo lleno de vida y  firmemente el cuerpo de Jesús, cujuyo brazo derecho cae inerte sin vida. Aquí la tridimensionalidad que tanto buscó Giotto alcanza toda su expresión

En futuros trabajos sobre el mismo tema Miguel Angel quiso encontrar todos los matices posibles de él. Hasta que llegó en 1564 a esculpir parte de la que se conoció como la Piedad Rondanini, cuyas características contrastaban con la Pietà original en el hecho de que aquí Jesús  es entregado a la Virgen estando el cuerpo casi en pie, como si mostrase el momento inmediatamente previo a la Pietà Original

En 1972 para horror del mundo, un demente australiano  atacó este monumento a martillazos, causándole importantes daños que tuvieron que ser reparados meticulosamente entre otras gracias a la existencia de una réplica exacta del original  en el cementerio de Medellín, Colombia. Desde entonces está protegida por un cristal antibalas y vigilada

 

En 1536 un Miguel Angel en la cima de su éxito y reconocimiento como artista multidisciplinar recibe el que quizá será el encargo más importante de su vida:  Decorar los frescos de la Capilla Sixtina en el Vaticano primero por Clemente VII y después por Julio II. Las dimensiones del espacio eran tan impresionantes que Miguel Angel se sintió tentado en rechazarlo, 

Tras multitud de pruebas, de ensayos y de rectificaciones, que lograron desesperar al Papa Julio II por la aparente imposibilidad del artista de ceñirse a unos plazos razonables y por tanto a un coste sensato, en 1541 quedó la obra finalmente acabada

Hoy es posible visitarla, pero desde los Museos Vaticanos y tras realizar visita una maratoniana y agotadora visita de diversas salas previas . El espacio de la Capilla Sixtina, donde se reunen en cónclave los cardenales para escoger al sucesor de San Pedro es enorme, sin duda mayor de lo que el visitante se imagina,  lo que nos permite intuir la enormidad del trabajo que tuvieron los artistas que lo decoraron, especialmente el  realizado por Miguel Angel que logró consumirle la salud tras años de batallar incansablemente con su perfeccionismo para lograr la mayor belleza posible

En 1965 una extraordinaria película, "El tormento y el extásis" muestra la envergadura de esas dificultades que supuso este encargo.

"Ni airado ni vengativo. Pero fuerte, bondadoso y lleno de amor" así dice el personaje encarnado por Charlton Heston cuando el Papa, magistral Rex Harrison le pregunta como ve a Dios.

 

 

La visita a la Capilla Sixtina y la impresionante cantidad de obras que se contemplan en ella merecen sin duda una revisión previa de la visita virtual que puede hacerse a través de a web del vaticano, par así poder obtener una perspectiva más apropiada de toda esta belleza, probablemente una de las obras cumbres del arte de todos los tiempos

Visita Virtual Capilla Sixtina 

Sin duda, el lugar en el que casi se siente el latido del corazón de la cristiandad, el lugar en el que los cardenales obtienen la inspiración del Espíritu para determinar el cargo de sucesor de San Pedro no podría tener un escenario mejor como es esta Capilla Sixtina, uno de esos lugares que realmente merecen la pena visitar en esta vida.

En ella casi podemos percibir no sólo la belleza de la Creación, sino que casi   podemos  sentir al Papa Julio refunfuñando bajo los andamios de la Capilla y gritándole al maestro;  

"-Cuando lo acabarás Miguel Angel?"

 y a éste respondiendo lacónico

  -"Cuando lo acabe!"

Gracias a su paciencia con el artista hoy tenemos una de las obras cumbres

de la belleza humana.

 

 

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Imposible no recomendar una exposición que tendrá lugar en Madrid este mes de febrero y en la que se podrá hacer justamente aquello que no es posible hacer en su escenario habitual, la Capilla Sixtina, que es tener las pinturas mucho  más próximas para poder admirarlas con mayor detenmiento, en una experiencia única e inmersiva que posiblemente antes del verano se verá en Barcelona

 

En Madrid la exposición será en febrero 

y en Barcelona aún no tiene fecha

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