¿No ardía nuestro corazón mientras nos explicaba las Escrituras
(Lc 24,32)
Como puedo entenderlo
si nadie me ayuda?
Hechos de los Apóstoles ( 8,31)
Vinculado a:
La caída de los ángeles rebeldes (en italiano:La caduta degli angeli ribelli)
es una de las más bellas y complejas escultura barrocas del siglo xviii, depositada en el palacio Leoni Montanari de Vicenza.
Esta realizada en mármol de Carrara, representando la caída de
Lucifer desde el cielo al infierno en forma de una pirámide, con el
arcángel Miguel en la cima.
La obra representa la escena apocalíptica del Apocalipsis de Juan
(12,7-9), en la que el arcángel Miguel, a la cabeza de las huestes
celestiales, lucha contra Satanás y sus ángeles. El escudo dice
QVIS UT DEVS, la traducción latina del hebreo Mi-cha-El
("¿Quién es como Dios?"). Cuando los ángeles rebeldes caen al
suelo, se transforman en formas demoníacas. Desaparecen en la
boca abierta del infierno, donde su líder grita desafiante a Satanás
con un tenedor de dos puntas.
En una estructura en forma de cono, el artista ha entretejido
dinámicamente sesenta figuras. Demostró su dominio técnico
esculpiendo el conjunto a partir de una sola pieza de mármol.
La obra, tallada en un bloque de mármol de Carrara, mide
168 x 80 x 81 cm y se atribuye a Francesco Bertos o a su alumno Agostino Fasolato.[1] Es propiedad del banco Intesa Sanpaolo.
AutorAgostino Fasolato
UbicaciónPalazzo Leoni Montanari, Vicenza (Italia)
MaterialMármol de Carrara
Dimensiones160 centímetros de alto
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Leonardo da Vinci
El florentino Leonardo da Vinci (1452-1519) es probablemente uno de los mayores genios de la antiguedad, no sólo del Renacimiento sino probablemente de todos los tiempos
Es especialmete complicado reducir su actividad y su interés a una sóla disciplina. Interesado por todos los campos del saber y trabajador incansable, fue a la vez urbanista, científico, escritor, escultor, filósofo, pintor, anatomista, arquitecto paleontólogo, poeta, músico,e inventor .
Uno de sus primeras fuentes de interés fue el dibujo y la pintura, formándose inicialmente con el prestigioso artista de la época Verrochio
Es imposible destacar una o dos de sus obras, como por ejemplo la muy popuar y fascinadora Mona
Lisa, en realidad "El retrato de Lisa Gerardini, esposa de Francesco del Giocondo" , donde el autor
alcanzó la cumbre de una técnica pictórica conocida como el sfumato , donde el artista realiza una
cuidadosa difuminacion de los colores para alcanzar una anbientación especialmente intimista. Fue
pintado en 1503. Se la considera la obra pictórica más popular del mundo, actualmente en el Museo
del Louvre, en París. El artista además logró un ambiente intimista al parecer con la participación
de músicos que aliviaban las largas esperas de la modelo posando y pudo ser esa la razón de la
enigmática y fascinadora sonrisa que muestra, una de las más comentadas de la historia del arte
Dentro del campo estrictamente religioso de la obra pictórica de Leonardo, destacaría -entre
muchas-, la "Virgen de las Rocas", pintada hacia 1486.
Un cuadro, que aunque sea de estricta temática evangélica es, como muchos de Leonardo
profundamente enigmático.
En realidad son dos cuadros, originalmente pintados sobre tabla, uno de los cuales fue traspasado a lienzo
A la izquierda, la versión más antigua, que se encuentra en el Louvre, y a la derecha la que se encuentra en la National Gallery de Londres
La historia de esta pintura es especialmente accidentada. La primera fue realizada hacia 1485. Una vez hecho el primer encargo, para la capilla de San Francesco el Grande de Milán, se modificaron los términos, y se sugirió que fuese parte de un tríptico de tres pinturas. Sabiendo que Leonardo había cobrado 800 escudos por la primera, los dos autores adicionales exigieron por el conjunto de la obra 1200, lo que ocasionó casi una década de pleitos, en el que Leonardo acabó incluso subcontratando su parte a otros pintores.
Hasta hace poco se creía que Leonardo, cansado de los problemas que causaba esta obra, decidió unos años después repetirla prácticamente idéntica, siendo la que está en la National Gallery londinense, pero hace muy poco tiempo se puso en duda que esta segunda obra, aún atribuida a Leonardo sea en realidad de su autoría
Esta segunda obra es la que inicialmente se alojó en San Francesco de Milán. Al parecer Leonardo habría simultaneado -si la autoría es suya- esta obra con su versión de la Adoración de Los Magos, en la que llegó a colocar cincuenta personajes , en una agotadora sucesión de retratos, que superó con creces todas las obras pictóricas de este tema hasta entonces ( se encuentra en la galería de los Uffizzi)
El cuadro, tiene una temática ciertamente irreal, no sólo por la técnica del sfumato (que es genuinamente Leonardo, mucho más preciso en la versión parisina que en la londinense) , sino por su ambientación. En ella, los personajes,la Virgen, Jesús y Juan Bautista (San José está ausente) (y con el arcángel Uriel) están sentados en una cueva, en una ambientación salvaje, muy alejada de las habituales ambientaciones de las escenas bíblicas que solían situarse en escenarios urbanos o en casas del estilo de las mansiones de los ricos que las encargaban. Quería decir Leonardo con esta situación de los personajes,-la Virgen, Jesús y Juan Bautista- en un escenario que simbolizaba el mundo previo a la llegada de Cristo, es decir, un lugar agreste y árido? En principio la escena recoge un momento de los evangelios apócrifos (otra innovación de Leonardo) en el que la Sagrada Familia se encuentra con el huérfano Juan
La Virgen contrariamente a lo que es habitual en las pinturas, no está abrazada o mostrando afecto a Jesús sino a Juan Bautista pareciendo que presenta a éste a su Hijo, que se encuentra junto al arcángel, asignado por Dios para protegerle por su condición de huérfano, y que señala al Bautista al que hace un gesto de bendición
Esta aparentemente sencilla escena tiene muchos matices que han llenado ríos de tinta. En la versión del Louvre, el arcángel señala al Bautista y mira al espectador. En la versión londinense esa sonrisa desaparece y el arcángel ya no señala al Bautista. La confusión llega hasta el punto de que en la versión "francesa" podría llamar a desconcierto el hecho de que podría no estar clara la identificación de los niños, que ya se produce claramente en la versión "inglesa".
De hecho también es novedoso y desconcertante que ninguno de estos "santos" personajes lleve aureóla en la versión francesa mientras que en la "inglesa"si aparece Jesús con aureóla y Juan con su báculo que lo identifica, que se cree fueron colocados con posterioridad para aclarar esa confusión
De hecho Leonardo lo que plantea es una innovación que debió causar no poca polémica ya que no era nada habitual que la Virgen fuese pintada sin mirar a Jesús y si concentrando su mirada en otro personaje, como era Juan. No sería extraño que parte de la polémica legal que tuvo esta obra se debiera a estas situaciones
También es hasta cierto punto desconcertante que en este grupo familiar Leonardo incluye al arcángel y a su posición distinta en ambas obras, en una señalando a Juan, que parecería ser el protagonista de la escena y mirando al espectador con una ligera sonrisa y en otro ya sin señalar ni sonreir.
Incluso analizando detenidamente la posición de la mano derecha de la Virgen, que está rodeando a San Juan, parece estar forzada y ser más grande de lo normal como si estuviera sosteniendo otra cosa.
La explicación, sin caer en las rocambolescos y hasta cómicos disparates de esta obra en "El Código da Vinci" puede resumirse en varios puntos claves, que demuestran que aunque aparentemente sea una obra sencilla, es más compleja de lo que parece
La roca que es protagonista del contexto -y del título- simboliza la fimeza de Dios. Las rocas a la izquierda de la imagen simbolizan el vientre de la madre, y las de la derecha, la resurrección. El río y el agua simbolizan la pureza y el bautismo, pero también la palabra de Dios.
Ningún detalle es gratuito, como por ejemplo la anémona en la parte inferior que simboliza la muerte, ya que en iconografías sobre la crucifixión aparece debajo. Los pétalos color rojo simbolizan la sangre.
La composición es piramidal, en cuya cumbre se encontraría la Virgen y en la base a Jesús
Todo ello mostrado con efectos de luz, innovadores para la época, finales del siglo XV, para difuminar los contornos de las figuras como si estuvieran envueltas en una neblina .
Hasta ese momento la iconografía y la pintura eran mucho más rígidas en sus formas por lo que el paso que da Leonardo aquí muestra un innegable dominio de la técnica que supera con creces a muchos de sus predecesores y abre paso a innovaciones técnicas que se producirán durante todo el siglo XVI.
Con ella alcanzó no poca fama y prestigio que culminaron con la que sin duda será su obra de iconografía religiosa más importante, "La Ultima Cena"
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La Última Cena
(Leonardo Da Vinci)
La última cena es una de las obras probablemente más icónicas y conocidas del arte bíblico de todos los tiempos
Leonardo la pintó en el convento dominico de Santa Maria de las Gracias , en Milán, donde se encuentra actualmente, como encargo de Ludovico Sforza, uno de sus principales patrocinadores
Mide 4,6 m de alto por 8,80 de ancho y se la considera una de las mejores obras pictóricas del mundo
Leonardo tardó tres años en culminar su trabajo, desde 1495 hasta 1498
La obra le absorbió totalmente en todos los sentidos, dedicándose meticulosamente por ejemplo a buscar cada una de las caras de los personajes, analizando su naturaleza y carácter y a veces deambulando por la ciudad hasta conseguir un rostro exacto para sus deseos, una técnica novedosa y extraña para la época.
Esa meticulosidad que paralizó la vida conventual durante años causó que los monjes se quejasen enérgicamente al Duque que apresurase a Leonardo para que acabase su obra lo que se produjo a finales del año.
Una de los problemas insólitos que encontró Leonardo fue precisamente encontrar un rostro para el apóstol Judas. Se dice que en plena exigencia de los monjes para que acabase su trabajo, un Leonardo furioso, amenazó con poner al traidor el rostro del prior, algo que no podemos saber con seguridad si se hizo realmente. De hecho una de las hipótesis sobre Judas es que Leonardo llegó a visitar cárceles para observar la fisonomía de criminales reales, y uno de ellos pudo convertirse en el rostro de Judas
Respecto a Judas Tadeo tiene una sospechosa similitud con el propio Leonardo, que probablemente quiso añadirse al grupo
La obra fija en el tiempo el momento establecido en Juan 13,21 cuando Jesús afirma a sus apóstoles que uno de ellos iba a traicionarlo
Él se mantiene en el centro de la escena, mientras los apóstoles en grupos de tres, -formando lo que se conoce como las tríadas platónicas- y simbolizando con la repetición de elementos en grupos de tres la Santísima Trinidad, muestran su inquietud por la gravedad del anuncio que han recibido, y todos ellos tienen un movimiento y una actitud específica, que da al conjunto un movimiento alejado de las habituales imágenes de iconografía católica donde sus participantes se mantienen habitualmente estáticos. Aqui unos se asustan, otros se levantan , otros se miran unos a otros; Judas se da por aludido y Pedro incluso -a su lado- saca una daga para defender a su Maestro.
Otro de los elementos peculiares analizados casi al microscopio nos muestra sal derramada frente a Judas, una simbología que no está del todo clara
La escena contiene la luz tenue de la última hora del día y detrás de ellos se encuentra una imagen que podría ser la del Paraíso
Otra de las curiosidades es la figura a la derecha de Juan. Sus rasgos son más femeninos que los del resto de apóstoles y durante siglos se aventuró que en realidad en lugar de representar al apóstol Juan ese rostro representase a Maria Magdalena. De hecho en uno de los tratados que escribió sobre la pintura, permitirían deducir que el rostro en cuestión sería femenino , algo que evidentemente es una hipótesis posiblemente aventurada y una de las muchas elucubraciones sobre lo que pintaba que habría hecho su autor, y que viendo sus estudios sobre rostros jóvenes explicaría esos rasgos aparentemente menos masculinos de Juan. Eso sí, Juan lleva algo parecido a un collar o un colgante, con la cabeza inclinada al lado contrario que el resto de sus compañeros
Otra de las curiosidades asombrosas de la pintura y que demostraría la genialidad indiscutible de su autor, la descubrió el músico Giovanni Maria Pala, que afirmó que convirtiendo la obra en un pentagrama, y usando la posición de los panes, las manos y las cabezas, y sustituyéndolas por notas musicales se puede encontrar una melodía, un réquiem que sería una música evidentemente apropiada para el momento señalado en la pintura
Otro de los misterios de esta obra, es que siendo una de las imágenes iconográficas más importantes sobre Jesús, sobre él no hay pintada ninguna aureóla de santidad
Una gran paradoja de la obra es que en ella no aparece ni pan ni vino (Juan 6, 51-58) ni tampoco copa alguna, por tanto no hay Santo Grial
La Ultima Cena, desgraciadamente no fue un óleo normal, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre varias capas de yeso , lo que obligó a una compleja preparación para garantizar su supervivencia temporal usando aglutinadores de pintura que por el efecto del moho empezaron ya a resquebrajarse en 1500, iniciando una rutina constante de restauraciones. La última en 1977, que pese a que no ha podido recuperar la brillantez perdida en todos estos siglos nos permite hoy contemplarla como una de las obras maestras de la pintura de todos los tiempos
Una obra maestra incluso en la ordenación meticulosa de sus elementos, que hoy sería sencilla con ordenadores pero en ese momento se hizo y con precisión milimétrica usando clavos e hilos para generar además las líneas de guía que usó y que hoy aún son visibles con rayos infrarrojos
La obra ha pasado por todas las vicisitudes imaginables incluido sobrevivir a un bombardeo durante la II guerra Mundial que derribó buena parte del convento, dejando eso sí la pared donde está esta obra casi intacta, milagrosamente
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Quienes eran los Reyes Magos?
Uno de los aspectos más recurrentes y más fijados en el inconsciente colectivo relacionado con la iconografía bíblica es la presencia de los tres personajes que adoraron a Jesús en ocasión de su llegada al mundo, y le ofrecieron oro incienso y mirra. En los pesebres, aparece siempre la imagen aparentemente coincidente en el tiempo del nacimiento de Jesús y de su adoración por los Reyes Magos como si fuesen hechos simultáneos en el tiempo, cuando en realidad el nacimiento aparece exclusivamente en el evangelio de Lucas y la adoración en el de Mateo.
Lucas se refiere a la adoración del Niño por pastores mientras que Mateo (3,1) refiere a la adoración de tres personajes (?) venidos de Oriente con la expresión "magoi apò anatoloon". La traducción de el termino griego Magoi por "Magos" ha cuajado en el pensamiento colectivo, aún siendo equívoca. Así en las cortes orientales los consejeros sacerdotales de alto nivel eran relacionados con el arte de la magia y la astrología (que en ese momento era equivalente a la astronomía). Eso sucedía en las cortes de Babilonia y Persia, a su vez familiarizadas con la mitología específica del pueblo hebreo por el exilio babilónico
Los astrónomos del momento ya conocían fenómenos celestes como el cometa Halley,(Flavio Josefo documentó su llegada en el -12ac) por lo que es sorprendente que tres personajes muy probablemente del mismo punto geográfico atravesasen miles de kilómetros para perseguir una figura astronómica completamente insólita que por su movimiento diario en el perihelio celeste parecía mostrar una dirección, aproximada en la zona de Jerusalén
Hace unos años se descubrió un manuscrito de la dinastía Han por el que astrónomos percibieron lo que pudo ser la explosión de una supernova de finales de marzo a prinicpios de abril de -5 ac lo que nos indicaría una posible explicacion a este viaje de los "magos" para contemplar el destino de este evento celeste, y lo que a su vez implicaría, que esa presencia de los magos no fue un recurso simbólico del evangelista sino algo rigurosamente real
Mateo no nos muestra ninguna señal ni que cuantos "magos" eran ni de su número. La suposición de que eran tres y cuales eran sus nombres tiene un origen iconográfico claro. El moaico de la Iglesia de San Apolinario el nuevo de Rávena en Italia (siglo VI)
Estos "reyes" son posiblemente los que mejor reflejan la realidad de lo que pudo haber ocurrido en la Adoración. Visten ropajes persas o babilónicos, alejados de las vestimentas exageradas de la iconografía habitual de los belenes. Su condición de supuestos reyes sería meramente simbólica y referente a que los poderes de la tierra se postrarían ante el recien nacido. (Salmo 72: "Postrénse ante ël los Reyes y sírvanle todos los pueblos"
En este mosaico aparecen los nombres de los "magos", Baltasar, Melchor y Gaspar, los tres de raza blanca caucásicos. Una de sus primeras descripciones documentales procede del monje Veda el Venerable (673-735) que los describe como Melchor (ofrece oro, símbolo de la realeza), Gaspar (ofrece
incienso) descrito como de tez rosada y Baltasar, (ofrece Mirra, símbolo de su muerte), definido en latin como "fuscus", de tez oscura.
En el Liber Pontificalis de Ravena (845) aparecen estos nombres , que adquieren carta de naturaleza sin que haya constancia real historiográfica de su veracidad
A partir aproximadamente de 1450, con la explosión del renacimiento pictórico, el arte concede una importancia capital a dos motivos ; el nacimiento y la epifania, que permitían representar la piedad popular de una manera sencilla y directa . Pese al hecho de que en la literalidad evangélica el nacimiento y la epifanía no fueron hechos simultáneos sino separados por días, como indica la tradición
A partir de este momento los Medicis se convierten en los grandes avaladores pictóricos de la tradición de los Reyes y bajo su mecenazgo se encargan la mayoría de ellas.
Así, en la Adoración de los Magos, pintada por Sandro Boticelli en 1475 en la galería de los Ufizzi en Florencia, los tres reyes son la imagen de tres Medicis: Baltasar es Pedro el Gotoso , Melchor es Cosme y Gaspar es Juan. Los tres ya habían fallecido pero Boticelli les homenajeó en esta pintura:
Cosme es el personaje que está frente a la Virgen, su hijo Pedro de Medici está a su lado y su hermano Juan es el tercero por la derecha . En la escena aparecen otros miembros de la familia Medici, como por ejemplo Lorenzo o Juliano de Medici que aparecen a la izquierda de la imagen, aunque Juliano podría ser el que aprece con vestimenta roja a la derecha de la imagen
La obsesión retratista de Boticelli le llevó a pintarse a si mismo (jubón amarillo a la derecha)
Vasari, el historiador clásico del arte escribió de esta escena:
“La belleza de las cabezas en esta escena es indescriptible, sus actitudes diferentes, algunos de frente, algunos en perfil, algún en tres cuartos, algunos se agachados, y de varias otras maneras, mientras que las expresiones de los asistentes, jóvenes y viejos, varían grandemente, exhibiendo la maestría perfecta del artista en su profesión. Sandro luego demuestra claramente la distinción entre los trajes de cada uno de los reyes. Es un trabajo maravilloso en color, diseño y composición."
La familia quedó entusiasmada con este cuadro y realizó multitud de encargos a su autor hasta que marchó en 1481 a Roma
Este cuadro además nos muestra otra particularidad de la iconografía de los "magos" y es que ya se pierde completamente cualquier intención de mostrar una rigurosidad y verosimilitud de lo que debía haber sido este episodio en relación a la iconografía previa, en la que como en el mosaico de Ravena se mostraba un trío de personajes presumiblemente de origen persa, mientras que ahora, sus representaciones coinciden con la fisonomía de personajes reales de la época y sobre todo son blancos:
Esto se muestra por ejemplo en
Adoración de los Magos (Tomasso Masaccio 1426) con una técnica muy similar a la de Giotto (Pisa)
Altar de los Tres Reyes (Roger van der Weiden 1455), muy renacentista, actualmente en Munich
El cortejo de los Magos ((Gozzoli 1461) en un palacio de los Medici de Florencia
Adoración de los Magos (Hugo Van der Goes 1480), actualmente en Berlín
Todos ellos tienen unas características pictóricas similares, sobre todo temáticas y de distribución de las figuras, con escasos matices entre ellas.
Hasta que llegamos a la gran innovación iconográfica del tema de los Magos:
Con el cambio de siglo se produce una innovación especialmente singular en este tema, y es convertir al "rey " Baltasar en negro
Adoración de los Magos (Durero) actualmente en Florencia
Los tres magos son, como marca la tradición pictórica hasta ese
momento: Melchor, que parece llevar la voz cantante ya que es
el mas viejo de los tres, Gaspar, con melena pelirroja
(la iconografía ya actual de este "mago"), y que es la representación del propio Durero y la gran innovación, un tercer mago, que sería Baltaaar, genuinamente e insólitamente negro
No está del todo clara la justificación de esta innovación, pero probablemente se deba a las necesidades ecuménicas de la iglesia del momento que forzaron el simbolismo de que las tres autoridades del poder terrenal , las tres razas que se conocían en el momento, Melchor representando a los europeos caucásicos -en posición preminente- , Gaspar, representando a los pueblos asiáticos y Baltasar a los negros, lo que simultáneamente mostraba el simbolismo de que los poderes terrenales se postraban ante el recien nacido y a la vez éstos representaban a los tres hijos de Noé, Sem, Cam y Jafet
Ya no hubo más movimento iconográfico en este tema, que quedó fijado ya para siempre a partir de la simbología de Durero -y de todos los autores que vinieron detrás-
Un aspecto final curioso de su tradición es la que muestran algunos evangelios apócrifos, que sostienen que los magos después de encontrar a Jesús, peregrinaron juntos por varios puntos del globo, llegando incluso a la India, donde el apóstol Tomás los consagró como obispos (otras versiones quizá menos fantasiosas situan este hecho en tierras medas o persas)
La tradición apunta a que los magos murieron juntos y fueron enterrados juntos (?) siendo encontrado su sarcófago por Santa Elena que los llevó a Constantinopla, aparentemente desapareciendo de la historia. Hacia el año 850 la Iglesia de San Eustorgio de Milán afirmó estar en posesión de las reliquias de los restos de los magos. En 1164 cuando el emperador Federico Barbarroja saqueó Milán llevó esos restos a Alemania , siendo construida en su honor la catedral de Colonia, aún existente y morada última de esos tres personajes que hace dos mil años, según la tradición se pusieron en marcha para buscar el lugar del nacimiento de Jesús
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Miguel Angel Buonarotti
Quisiera empezar con una reflexión personal.
Hace unos años oí hablar del Sindrome de Stendhal, considerada un trastorno psicosomático que alteraba de manera real la salud y la percepción de la realidad, y que podiá producirse por la contemplación de la belleza en determinadas obras de arte.
Personalmente siempre lo consideré poco menos que una tontería o una rareza.
Hasta que en el mismo año tuve el privilegio de acudir a dos lugares: La Orangerie, la Sala de Conciertos del Palacio Imperial de Viena, para escuchar un concierto de valses, y en segundo lugar en el Vaticano. Ambos lugares me causaron una profunda emoción, casi hasta las lágrimas, lo reconozco
Y ahí, ante la belleza hipnótica y a la vez indescriptible de una de las primeras obras que pueden contemplarse en él, la extraordinaria Pietà de Miguel Angel acabé creyendo sino en el Síndrome de Stendhal si que la belleza puede conmover y maravillar profundamente
La Pietà, la Piedad, de Miguel Angel Buonarotti es un grupo escultórico encargado en 1498, al entonces completamente desconocido y jovencísimo artista florentino de sólo 23 años. Fue contratada por el cardenal Saint Denis, embajador francés ante la Santa Sede, que no pudo verla en vida ya que falleció pocos días antes del plazo estipulado para su entrega,
La extraordinaria belleza de este grupo escultórico nos muestra en primer lugar una verdadera cumbre artística del arte del Renacimiento. Si doscientos años atrás Giotto perseguía incansable lograr la tridimensionalidad del arte, aquí Miguel Angel lo consigue de una manera completamente sublime, teniendo además el mérito extraordinario que este tema iconográfico, Jesús muerto en brazos de la Virgen nunca se había planteado.
Vasari, aún en vida de Miguel Angel dijo de ella
«Es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol»
Cuando fue mostrada por vez primera en público causó una profunda impresión en todos los que la contemplaban. Se cuenta que Miguel Angel, deseoso de comprobar el impacto de la misma en el público, se mezclaba con los visitantes de la capilla de Santa Petronila, su primer emplazamiento. En una ocasión escuchó furioso como varios de ellos cuchicheaban entre sí, que era completamente imposible que algo tan hermoso hubiese podido ser concebido y realizado por un escultor de sólo 23 años. Indignado y desencajado por la cólera apartó a todos los visitantes, sacó su martillo y cincel y grabó sobre el pecho de la Virgen:
Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]
Miguel Angel Buonarotti, florentino, lo hizo
Vasari dijo de esta obra y de Miguel Angel que podría entenderse sino como sutilísima apariencia de crítica, si de una evidente admiración, que éste se había limitado a coger un trozo de mármol y a quitarle los pedazos sobrantes de las figuras que quería mostrar... Lo cierto es que Vasari reconoció que Miguel Angel había sido la culminación de un camino iniciado siglos atrás por Giotto y sus contemporáneos y que aquí llegaba a su mayor expresión que convertía a Miguel Angel en un gigante de su tiempo
De hecho como escultor las "Pietà" son un testimonio de la evolución de la fe de su autor.
En ella muestra de hecho un tema principal que va más allá incluso del aspecto religioso, como es el mostrar el mayor drama que una madre puede tener en vida y es recoger en su pecho el cadáver de su hijo.
Pero además muestra el ideal de belleza renacentista, al mostrar el rostro de la Virgen perpetuamente joven y hermosa, pero que además con toda su sensibilidad, nos ofrece la imagen de su tristeza absoluta y total desconsuelo en su mirada perdida por el momento de extremo dolor que está viviendo
Las formas de la Virgen son cuidadosamente anguladas, destacando todos los pliegues de su vestido y con su brazo izquierdo sosteniendo lleno de vida y firmemente el cuerpo de Jesús, cujuyo brazo derecho cae inerte sin vida. Aquí la tridimensionalidad que tanto buscó Giotto alcanza toda su expresión
En futuros trabajos sobre el mismo tema Miguel Angel quiso encontrar todos los matices posibles de él. Hasta que llegó en 1564 a esculpir parte de la que se conoció como la Piedad Rondanini, cuyas características contrastaban con la Pietà original en el hecho de que aquí Jesús es entregado a la Virgen estando el cuerpo casi en pie, como si mostrase el momento inmediatamente previo a la Pietà Original
En 1972 para horror del mundo, un demente australiano atacó este monumento a martillazos, causándole importantes daños que tuvieron que ser reparados meticulosamente entre otras gracias a la existencia de una réplica exacta del original en el cementerio de Medellín, Colombia. Desde entonces está protegida por un cristal antibalas y vigilada
En 1536 un Miguel Angel en la cima de su éxito y reconocimiento como artista multidisciplinar recibe el que quizá será el encargo más importante de su vida: Decorar los frescos de la Capilla Sixtina en el Vaticano primero por Clemente VII y después por Julio II. Las dimensiones del espacio eran tan impresionantes que Miguel Angel se sintió tentado en rechazarlo,
Tras multitud de pruebas, de ensayos y de rectificaciones, que lograron desesperar al Papa Julio II por la aparente imposibilidad del artista de ceñirse a unos plazos razonables y por tanto a un coste sensato, en 1541 quedó la obra finalmente acabada
Hoy es posible visitarla, pero desde los Museos Vaticanos y tras realizar visita una maratoniana y agotadora visita de diversas salas previas . El espacio de la Capilla Sixtina, donde se reunen en cónclave los cardenales para escoger al sucesor de San Pedro es enorme, sin duda mayor de lo que el visitante se imagina, lo que nos permite intuir la enormidad del trabajo que tuvieron los artistas que lo decoraron, especialmente el realizado por Miguel Angel que logró consumirle la salud tras años de batallar incansablemente con su perfeccionismo para lograr la mayor belleza posible
En 1965 una extraordinaria película, "El tormento y el extásis" muestra la envergadura de esas dificultades que supuso este encargo.
"Ni airado ni vengativo. Pero fuerte, bondadoso y lleno de amor" así dice el personaje encarnado por Charlton Heston cuando el Papa, magistral Rex Harrison le pregunta como ve a Dios.
La visita a la Capilla Sixtina y la impresionante cantidad de obras que se contemplan en ella merecen sin duda una revisión previa de la visita virtual que puede hacerse a través de a web del vaticano, par así poder obtener una perspectiva más apropiada de toda esta belleza, probablemente una de las obras cumbres del arte de todos los tiempos
Visita Virtual Capilla Sixtina
Sin duda, el lugar en el que casi se siente el latido del corazón de la cristiandad, el lugar en el que los cardenales obtienen la inspiración del Espíritu para determinar el cargo de sucesor de San Pedro no podría tener un escenario mejor como es esta Capilla Sixtina, uno de esos lugares que realmente merecen la pena visitar en esta vida.
En ella casi podemos percibir no sólo la belleza de la Creación, sino que casi podemos sentir al Papa Julio refunfuñando bajo los andamios de la Capilla y gritándole al maestro;
"-Cuando lo acabarás Miguel Angel?"
y a éste respondiendo lacónico
-"Cuando lo acabe!"
Gracias a su paciencia con el artista hoy tenemos una de las obras cumbres
de la belleza humana.
Imposible no recomendar una exposición que tendrá lugar en Madrid este mes de febrero y en la que se podrá hacer justamente aquello que no es posible hacer en su escenario habitual, la Capilla Sixtina, que es tener las pinturas mucho más próximas para poder admirarlas con mayor detenmiento, en una experiencia única e inmersiva que posiblemente antes del verano se verá en Barcelona
En Madrid la exposición será en febrero
y en Barcelona aún no tiene fecha
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BIBLIA Y ARTE
Jordi Ros
Iniciamos una nueva sección sobre la estrecha relación de la Biblia con el Arte, plasmada por tantos artistas que han contemplado y transmitido su mirada de fe a la Historia de la Salvación.
LA ADORACIÓN DE LOS REYES (GIOTTO)
Uno de las primeras imágenes pictóricas y de los más interesantes sobre el nacimiento de Jesús es el creado por el pintor florentino Giotto di Bondone, al que se considera uno de los principales iniciadores del renacimiento en el arte, a finales del siglo XIII y principios del XIV.
Fue discípulo del pintor Cimabue, el artista más conocido de finales del siglo XIII. Una historia biográfica sobre Giotto apunta a que en 1278, con once años de edad fue sorprendido por Cimabue pintando una oveja tridimensional, con gran perfección, lo que le permitió ser admitido en el estudio del maestro,
En ese momento , el arte religioso, seguía aún unos esquemas muy rígidos bizantinos que se caracterizaban por un aspecto rígido y unidimensional, relativamente lógicos en caso de los mosaicos pero que en la pintura no permitían mostrar una suficiente naturalidad.
Las figuras de Giotto , popularizadas hacia 1300 en adelante llamaban la atención por esa sorprendente naturalidad y bidimensionalidad, obteniendo unos juegos de perspectivas hasta entonces insólitos en el arte.
En ese momento llaman la atención incluso del Papa y Giotto empieza a realizar toda clase de encargos , difundiendo por toda Italia su obra. Su obra culminante con toda seguridad y el encargo que le hizo más famoso es el de la Capilla de Scrovegni de Padua, considerada la obra más bella del Renacimiento italiano y de la que se dice que todo amante del arte debería visitar al menos una vez en la vida
Los frescos de la Capilla Scrovegni, antecesores en su concepto de los frescos de la Capilla Sixtina, unos doscientos años posteriores cuentan esencialmente la historia Sagrada en imágenes y son en su intención y concepción una lección de historia bíblica completa
Uno de estos frescos es el de la Adoración de los Reyes. Aquí Giotto supera con creces el arte pre renacentista en muchos aspectos.
El encargo provenía de Enrico Scrovegni, cuyo padre fue uno de los personajes más detestados de la época, al tratarse de un notorio usurero que hizo una gran fortuna con ello, El odio que generó fue tal que incluso Dante Alighieri en su inmortal Divina Comedia lo colocó en el infierno, ardiendo por toda la eternidad por su desenfrenada avaricia, Su hijo , impactado por esa imagen encargó a Giotto la decoración de la capilla familiar para así obtener penitencia por los pecados de su padre.
Giotto, meticuloso en extremo, se documentó con gran precisión sobre la escena que iba a pintar, para tratar de mostrarla con toda exactitud, analizando tanto el evangelio de Lucas -el que refiere el nacimiento de Jesús- como el de Mateo, que reporta la visita y adoración de los Reyes, la Epifanía, que según la tradición se produjo días después del nacimiento pero que la iconografía y la tradición pesebrística sitúa como hechos prácticamente simultáneos.
En ese momento la tridimensionalidad en las figuras aún no estaba plenamente conseguida por lo que se usa el recurso en este caso de encuadrar los principales personajes bajo la estructura de un dosel de madera, en una forma arquitectónica parecida a las estructuras que existían en ese momento.
Uno de los grandes misterios evangélicos de este episodio es por supuesto la personalidad de estos "Reyes".
De ellos podemos saber con toda seguridad sólo una cosa, que los tres reyes magos, no eran (necesariamente) tres; Mateo no lo especifica; y no eran reyes ni tampoco Magos.
La expresión que usa Mateo en griego sobre ellos es "Oi magoi apóo anatoloon", una expresión que se ha traducido siempre con una literalidad arriesgada como "Magos".
Mateo pudo referirse a esos personajes como un mero recurso simbólico para reforzar la idea que los poderes de la tierra se inclinaban ante el recién nacido, pero en ningún caso es absurdo suponer que Mateo, y por tanto Giotto, lo que plasmó fue la imagen de un hecho real, es decir la visita de personajes reales que siguieron un suceso astronómico especialmente singular
Giotto parece sugerir que este hecho singular pudo haber sido un cometa, posiblemente el cometa Halley.
Esta hipótesis sin embargo tiene algún punto débil, como es el hecho de que los astrónomos de la época ya conocían el paso del cometa Halley que nos visitó en el 66 ec (como detalla Flavio Josefo) y por tanto su visita anterior pudo haber sido 74 o 79 años atrás, por tanto hacia el -12 ac, posiblemente antes del nacimiento de Jesús. Eso sí, el verismo del "cometa" que aparece es absoluto ya que Giotto contó que vio al cometa Halley sobre su ciudad en 1301 por lo que el cometa que aparece en la obra, es específicamente un cometa tal y como Giotto lo recordó. Pero aún así, ¿astrónomos que conocían los cometas se pusieron en marcha y atravesaron grandes extensiones de tierra para averiguar que era aquella señal celestial?
Hace unos años, astrónomos chinos anunciaron la existencia de documentación procedente de la dinastía Han que anunció la presencia en el cielo de un acontecimiento singular, aproximadamente hacia el -5 ac aproximadamente que se prolongó durante semanas en el firmamento y cuya explicación podría haber sido la explosión de una supernova que pudo percibirse a simple vista durante semanas, causando la sensación de los astrónomos de la época como presumiblemente eran los "magos", que verían en el horizonte una figura muy similar a la de un cometa, entendiendo como tal a un cuerpo celeste "con cola" y una protuberancia delantera desplazándose de manera lenta pero constante en una dirección , con cada órbita terrestre, lo que desde , por ejemplo el Oriente (Persia) parecería estar señalando un punto físico en la tierra.
Otra explicación indicaría la formación de una triple conjunción planetaria que habría causado una gran impresión en astrónomos expertos que difícilmente la habrían confundido con un cometa. Esta conjunción habría dado una perspectiva desde la tierra similar a la de movimiento aparentemente en una dirección concreta que habría sido la seguida por los "Reyes" hasta llegar a Belén
Esta es una explicación hoy considerada más plausible para la estrella junto con la explosión de una Supernova.
Estas hipótesis podrían explicar que tres astrónomos familiarizados con las tradiciones judías por el exilio de Babilonia , relativamente reciente, quedasen impactados por esa figura celestial que apareció en el horizonte, más extraña aunque similar a un cometa, y les impulsó a seguirla. Eso también podría explicar que en un momento dado, esa supernova hubiese dejado de brillar tras mostrar aparentemente su objetivo en la zona de Jerusalén, lo que justificaría la búsqueda de estos personajes de la corte de Herodes para tratar de hallar allí una explicación a lo sucedido
La figura cósmica que aparece sobre el nacimiento sería coherente con esa explicación, y sería parecida a la de un cometa.
Giotto, tenía como una de sus grandes preocupaciones dotar a sus personajes de tridimensionalidad y de una naturalidad hasta entonces extraña. Y eso hace por ejemplo con San José , que vistiendo ropas relativamente humildes, aparece con los brazos cruzados sobre el pecho, con aire de lógica perplejidad ante estas curiosas visitas que recibe.
María por su parte lleva ropa con vestiduras reales, para reforzar su imagen como Reina de los Cielos, abriendo paso a una tendencia que se mantendrá durante todo el renacimiento de vestir a María con ropajes contemporáneos -medievales- y caros, a menudo como una señora de la alta sociedad local, lo que evidentemente en la Galilea de hace dos mil años era difícil de creer pero reforzaba la imagen y la importancia de María
La escena principal que muestra Giotto es la entrega por parte de Gaspar de un incensario que es sostenido a la izquierda de María por un ángel para simbolizar la idea de que las oraciones humanas ascenderán ante el Padre acariciadas por el humo del incienso
Gaspar, que por cierto es caucásico , como Melchor y Baltasar (hasta doscientos años después Baltasar no se convirtió en "rey negro"), se ha despojado de su corona, depositada a los pies del Niño y humildemente en el centro de la imagen se arrodilla para besar sus pies. Con ello, despojado de sus símbolos de autoridad y en máxima humildad representa al poder terrenal postrado y agradecido ante el regalo que Dios nos hace en la figura de su hijo.
Los otros dos "reyes" esperan su turno esperando los regalos que van a ofrecer, mirra, símbolo de la humanidad y futura pasión del Niño, ya que es la sustancia con la que se ungen los cuerpos para la sepultura, y el siguiente rey lleva oro como símbolo de la realeza
Como detalle final comentar que Giotto en cada una de sus figuras humanas intentó dar una cierta humanidad y tridimensionalidad en su aspecto.... Hasta que llega a los camellos.
En la Padua de 1300, probablemente nadie había visto nada parecido a un camello y probablemente Giotto, que se documentó meticulosamente sobre los detalles bíblicos de la escena, quedó un poco perplejo a la hora de plantearse, que aspecto podrían tener estos animales. Los dibuja como un cruce entre caballo y asno, con patas de caballo y orejas de asno... y con ojos azules siendo lo más curioso de la
escena. Los camelleros por cierto, todos ellos muy expresivos , sostienen por
las riendas a sus animales con otra muestra de realismo absolutamente
novedoso en la época, estando concentrados en su trabajo más que en la
escena de los Reyes o el Niño
La obra de Giotto tuvo una gigantesca influencia en artistas posteriores, que en
buena medida se basaron en muchos aspectos de la misma para sus cuadros,
difuminándose con la transición del gótico al románico, siendo de influencia
poderosa para artistas como por ejemplo Miguel Angel Buonarotti
Enlace a la Visita Virtual de la Capilla Scrovegni en Padua
https://www.youtube.com/watch?v=dw4kf8WsznI
